Um balconista de uma copiadora que perde o irmão militar; uma mãe divorciada que se diverte com as amigas em um pub. Ambos recebem uma estranha ligação: uma voz feminina cuja ameaça suas vidas caso não ajam exatamente como manda. Acusados de serem terroristas, os dois são forçados por essa voz, a se tornarem membros de um grupo que planeja assassinar o presidente dos Estados Unidos. Essa é a trama do novo filme de D. J. Caruso. “Controle Absoluto” (2008). Filme que atinge a temática espionagem, ação policial e suspense.

É justamente dentro desse contexto, ao qual prezo e defendo os roteiristas. Deveriam ser melhor beneficiados e ter um reconhecimento mais digno, pois o que move a direção, é o roteiro. Dentro dessa ótica, vem do diretor em saber a melhor posição da câmera, além de guiar o ator em fazer seu papel, mas tudo gira entorno das linhas do script. Prova disso trata-se, do roteirista Guillermo Arriaga, ao qual inovou na linha narrativa sobre a seqüência de filmes com o tema “o sofrimento da perda”, Amores Brutos (2000), 21 Gramas (2003), Babel (2006), todos do mesmo diretor Alejandro Iñárritu, porém em Três Enterros(2005) de Tommy Lee Jones, nota-se a particularidade da narrativa que é de Arriaga, sua “marca”, adota a não cronologia dos fatos e além disso, a estrutura ao qual cria as “seqüências” de narrativa, evoluem a história no mesmo sentido de uma história cronológica porém de uma forma inteligência e única, o de “pegar” o público em todos os momentos.

Foi o que aconteceu comigo, quando vi “Controle Absoluto”, não é um filme inovador, muito menos apresenta uma narrativa diferenciada, mas a forma em que é apresentado os fatos e pistas, é que torna o roteiro criado por quatro cabeças, um filme divertido e interessante. D. J. Caruso, em seu filme anterior, já usará a mesma narrativa que Hitchcock criou com Janela Indiscreta. Tanto que esta enfrentando problemas de plágio com Paranóia (2007), mas de uma forma mais discreta, usou vários elementos de outros filmes em (Controle Absoluto), disfarçado, pode-se notar um HAL-9000 de 2001 Uma odisséia no Espaço (1968); um agente escondido como em O Novato (2003) e até mesmo uma voz guia como Matrix (1999). Mas apresenta um elemento novo e único, não deixa muito tempo para a platéia “pensar” nos problemas e soluções em que as pistas, segredos e ações são revelados. Chave responsável pelo editor Jim Page (Paranóia), que usa uma montagem muito rápida classificada como Mtv Style.

Muito bem elaborado, a edição ágil, apresenta cortes tão precisos durante as ações, que na medida em que o id, associa um elemento de lembrança ao qual “amarra” a um fato que já foi apresentado, adiciona-se um novo elemento revelador, o que deixa-se de lado a associação e passa-se a se interessar por este novo elemento, “esquecendo-se” do que estava-se lembrando, assim passando a idéia para o novo elemento revelador. Fato esse devido ao processo das avalanches de informações que encontramos todos os dias, toda hora e em todo o lugar, principalmente em noticiários televisivos, não é mais apenas a informação passada por um repórter, ao mesmo tempo em que isso acontece, há a previsão do tempo na lateral, a cotação do dólar embaixo, as chamadas de última hora e as principais manchetes do dia, até a matéria que virá a seguir é mostrada através de caracteres. Portanto é algo que há anos já convivemos, e hoje, até mesmo em narrativas cinematográficas encontram-se esses elementos. E justamente essa agilidade na edição e a apresentação dos fatos, é que fazem de “Controle Absoluto” um filme divertido aponto de ser comentado.

 A favor da película, sempre fui um freqüentador fervoroso do cinema. Cinema este que se acopla a câmara escura ou a sala de projeção ou ainda como costumo dizer, o local do inconsciente dos sonhos. Isso, pois as cadeiras da sala de cinema, associo a colchões e camas, os encostos das poltronas, como travesseiros relaxantes, e o apagar das luzes, como os primeiros sinais de vigília do sono. Os olhos representam à tela que com o ligar do projetor, “por trás da retina”, gira-se a fechadura que abre a porta de nossos sonhos. Sonhos estes que podem ser dramáticos, aventureiros, psicóticos, românticos, cômicos e muitas vezes herméticos.

Os sonhos são como os filmes, tanto que, se fosse possível sabermos qual o sonho em que iríamos ter no dia de hoje, poderíamos simplesmente ser seletivo: “Hoje meu sonho está péssimo, então não vou sonhar; hoje está engraçado então vou convidá-la a sonhar comigo; hoje está incompreensível, então terei dificuldades para entender”. A semelhança é evidente, porém por dois específicos detalhes, o teórico e cineasta Robert Desnos não conseguiu ter o seu sonho, que seria em ver um filme que representasse exatamente o sonho do diretor que acabara de sonhar ao acordar. Primeiro devido a dificuldade de lembrarmos exatamente o que se passou no sonho, segundo a dificuldade de representar exatamente o que sonhamos, como, quando, onde e o que se sonhou.

No início das primeiras experiências com o cinematógrafo viriam a exibir as diversas “junções” de imagens, até os primeiros cineastas materializarem uma narrativa de linha estrutural para se contar uma história cinematográfica. Estrutura essa, vindas de textos teatrais e concretizadas através de idéias e inovações dos primeiros cineasta, nomes como Dulac, Porter e Griffith contribuíram com a experimentação do cinema, realizando distintos projetos e obras, porém ambos utilizaram uma estrutura de organização particular para compor suas obras. Um inovou nas cenas aleatórias, o outro nos planos inusitados e o último no contar uma história, mas ambos sabiam algo em comum: a montagem interfere e muito em um filme. Para isso, o diretor russo Pudovkin já disse: “a montagem significa de fato, a direção deliberada e compulsória dos pensamentos e associações do espectador”.

Alfred Hitchcock já demonstrou em uma entrevista, o poder da montagem sobre o público, gravou seu rosto com uma expressão amena, adquirindo um leve sorriso.

Criada pelo mestre perfeccionista que rodava entorno de 10, às vezes 20 repetições por tomada, chegando a ter cerca de 400 mil metros de negativo, muito mais do que o normal que gira entorno de 220 mil metros. Sir. Kubrick tem o mesmo método de trabalhar que Charles Chaplin, perfeccionista ao estremo, que chegava a fazer entorno de 45 repetições nas tomadas de cena.

Esses “erros” de continuidade, que às vezes são perceptíveis, são devido a planos que não foram utilizados, por exemplo, provavelmente Kubrick rodou a cena numa seqüência mais longa, a qual Jack prolongaria a tentativa de assassinato, no entanto a longa seqüência talvez interferisse muito na estrutura de narrativa, devido a isso, encurtou a seqüência, utilizando as melhores tomadas, assim a porta, que já havia sido destruída, consta na cena utilizada.

 

A criação de um filme ou de um trailer se compõe através de uma junção das seqüências, cenas e tomadas selecionadas a dedo. A trilha sonora é o acabamento final para a composição correta da imagem. Compromete em ambientar o clima e familiarizar o público no que de fato se quer revelar. Deparando-me com pérolas encontradas pela web, encontrei algo curioso e ao mesmo tempo muito divertido, selecionei então, o trailer que compõe o que eu havia dito. O quanto uma montagem interfere na seqüência, que junto de uma trilha alternativa pode provocar uma mudança estrutural de narrativa cinematográfica. Não descobri o autor desta pérola, mas coloco aqui, o trailer de “The Shining”, numa versão em que o filme passa longe do gênero de horror, mas sim, para o de um filme do gênero comédia romântica.

 

 

 

 

 

 Veja abaixo a versão do trailer de “The Shining”, como comédia romântica:

 

Quem nunca sonhou em degustar aquele específico vinho citado em um diálogo, ou experimentar aquele determinado prato cujo personagem principal preparou, ou rejeitar aquela mesa onde se encontram os mais estranhos pratos revelados no celulóide? Pois então meus caros, relato aqui alguns pratos e situações específicas que minha memória visual marcou:

 A favor de meus desejos de degustação: Em um dia ensolarado, dois capangas estão a caminho de uma “visita” a um trapaceiro. Ambos citam um dos diálogos mais memoráveis do cinema dos anos 90. Vincent relata a Jules os lugares e hambúrgueres que experimentou durante sua passagem pela Europa. Sempre tive vontade de degustar o “... Royale with Cheese...”, com acompanhamento do milkshake que Mia Wallace escolheu no Jack Rabbit Slins de “..five bucks..” Falo do renomado e inigualável “Pulp Fiction” (1994), obra prima de Tarantino, no segundo longa de sua carreira. Adepto de uma narrativa não linear, e de inúmeras situações que poderia citar, levo em conta a hilária seqüência final, quando os mesmos Jules e Vincent (interpretados por Samuel L Jackson e John Travolta), discutem sobre o colesterol do bacon e dos ovos que ambos têm para o café da manhã na lanchonete da linda abertura do filme.

 

 A favor de uma perda insatisfatória: Era noite, um local úmido e pouco arejado. O personagem Dr. Ross, esta em seu porão, perto de sua “pequena” adega de dois armários com cerca de dois metros de altura. O clínico geral teve a infelicidade de se pendurar em um dos armários de sua adega, a fim de amortecer sua queda, porém o armário veio abaixo. Ele ficou preso com metade do corpo imóvel, no entanto, o motivo da queda, era a tentativa de eliminar nada menos que uma enorme aranha, a qual aterrorizava a cidade do interior dos EUA. Sem saída, Dr. Ross, optou por atirar o que estivesse em seu alcance, no caso, as melhores garrafas de sua fantástica coleção de vinhos, memorável cena de Aracnofobia, (filme de 1990 com a estréia do produtor Frank Marshall na direção), quando Dr. Ross (Jeff Daniels), resmungava o nome e o ano de fabricação de seus vinhos enquanto os lançava no aracnídeo. Após atirar duas garrafas, pega um de seus mais preferidos e diz: “...Não, o Chateau não..”, o deixando de lado e resgatando qualquer outro vinho para ser atirado.

 

 

 

 

 

 

 A favor de uma recusa à um banquete estrangeiro: Sob a ótica de um banquete indiano, o recém chegado grupo de exploradores de arqueologia são convidados para jantar com o jovem Marajá do palácio de Pankot. No delicioso e farto menu, a entrada era suculenta “cobra surpresa”, dentro dela, continha maravilhosos “filhotinhos rastejantes vivos”, para acompanhar uma fabulosa bandeja de besouros cozidos. Não satisfeitos com o cardápio a bela jovem e o ajudante do Dr. Jones, são recebidos com um ilustre aroma, memorável cena de Indiana Jones e o Templo da Perdição (filme de 1984 sob a direção de Spielberg), uma fantástica sopa de olhos. Para finalizar o banquete, são abençoados com uma das sobremesas mais estranhas impressas no cinema, um fresco e delicioso cérebro de macaco, uma verdadeira perdição.

 

 

 

 

 

 

 

 

 A favor de uma indigestão sob o uso do humor: A tripulação da nave Nostromo, se reúne na cabine do refeitório, fazem uma mistura de apanhados alimentícios, macarronada, pão com creme de amendoim, lanche natural, comida chinesa e as mais diversas bebidas. Assim como todo jantar, sempre vêm os engraçadinhos com sátiras e piadas, porém o sr. Kane, que degustava um belo macarrão, junto de uma gargalhada, engasga com a comida, iniciando uma série de espasmos físicos, em meio a tosses e falta de ar, mesmo com o auxilio dos sete tripulantes, o personagem de John Hurt, acaba repentinamente, fisgando toda a platéia com um susto ao se tornar mamãe, deu a luz a um belo e lindo bebê alien, ao qual se tornará o oitavo passageiro. Relato a cena em que marcou a produção de filmes de ficção científica “Alien” (1979). Sob o comando de Ridley Scott, o filme fez um marco na história do cinema, abocanhando 11 prêmios dentre o Oscar de efeitos visuais e direção de arte. Algo que sempre me fascinou até hoje sempre que revejo. 

 

 

 

 

 

 

 

 Porém, em meio a alguns relatos descritos, dentre os meus filmes favoritos no aspecto gastronômico, encontram-se: “O Tempero da Vida” (2003), filme de Tassos Boulmetis, que conta o crescimento do jovem Fanis, no mundo culinário grego, sob a maestria dos ensinamentos de seu avô. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“A Comilança” (1973), a obra prima de Marco Ferreri que retrata um grupo de pessoas liderado por Mastroianni, que cansados da vida, se trancam em uma mansão para passar o fim de semana atuando sob os dois prazeres que visam na vida, a comida e o sexo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Existe um terceiro, porém como é o um dos filmes favoritos de meu pai, “A Festa de Babette” (1987), filme vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro, aproveito e faço aqui um levantamento para junto de todos os convidados, a participarem do blog, postarem seus relatos de memoráveis cenas, seqüências, pratos e filmes pessoais, tudo o que os marcaram sob a ótica da gastronomia dentro da sétima arte impressa em celulóide.

 

 

Bon´apétite!